Le coppette di yogurt e frutti di bosco sono un dolce al cucchiaio buono, semplice e velocissimo da preparare. In soli 10 minuti di preparazione, infatti, si possono ottenere queste buonissime coppette, ideali come dessert o anche per una ricca merenda. Le coppette di yogurt con frutti di bosco sono composte da uno strato di coulis ai frutti di bosco, uno strato di dolce e morbido yogurt greco e da un ultimo di muesli che conferiscono croccantezza al dolce.
Ingredienti per 4 coppette:
Acqua : 50 ml
Amido di mais : 2 cucchiaini
Avena cereali tipo muesli croccanti : 100 gr
Lamponi, more, mirtilli : 250 gr
Miele un bel cucchiaio
Yogurt greco : 450 gr
Zucchero : 2o gr
Preparazione:
Per preparare le coppette di yogurt e frutti di bosco iniziate scaldando a fuoco dolce i frutti di bosco (tenendone da parte alcuni per guarnire le coppette) in un pentolino con l’acqua e lo zucchero. Dopo circa 5 minuti, quando i frutti si saranno disfatti, passateli con un colino, per ottenere una coulis liscia e senza semini. Sciogliete quindi due cucchiaini di amido di mais in un po’ di acqua e versateli nella coulis, ponete ancora sul fuoco per qualche minuto fino a che la coulis non si sarà addensata (aggiungete in caso un altro cucchiaino di amido di mais). Versate la coulis così ottenuta in 4 bicchierini, riempiendoli per 1/3 e riponeteli in frigorifero per circa 20 minuti (o in freezer). Nel frattempo aggiungete un bel cucchiaio di miele allo yogurt greco, regolandovi secondo i vostri gusti e mescolate bene. Quando la coulis di frutti di bosco si sarà raffreddata estraete i bicchierini dal frigorifero, dividete lo yogurt nelle coppette e aggiungetevi uno strato di muesli croccanti. Guarnite con dei frutti di bosco freschi e gustate le coppette di yogurt ai frutti di bosco ben fredde!
Consiglio.....
Potete preparare le coppette di yogurt e frutti di bosco in anticipo e conservarle in frigorifero fino al momento di gustarle!
"Bisogna capire la vita. Capirla quando si è giovani" - Cesare Pavese.
In questo periodo avevo iniziato a leggere un libro senza sapere a quali emozioni mi porterà. Un libro che da tempo si perdeva sulla mensola del mio scaffale e visto che prendeva un bel pò di polvere ho pensato che sarebbe meglio dare un'occhiata alle poche pagine. Eh già, quel libro mi ha fatto compagnia nel treno andando verso la nuova avventura universitaria così attesa per riscoprire finalmente i nuovi orizzonti culturali.
“La bella estate”, pubblicato nel 1949, contiene tre romanzi brevi: “La bella estate” intitolato originariamente “La tenda” scritto nel 1940, “Il diavolo sulle colline” (1948) e “Tra donne sole” (1949). Il testo risale ad una fase di “naturalismo” pavesiano. È un romanzo d’ambientazione cittadina e dell’iniziazione alla vita e all'amore. Ciascuno di essi potrebbe costituire un testo a sé stante, ad unirli è un’atmosfera di giovanile scoperta del mondo, il rapporto città/campagna, la frequente disillusione e il disagio che permeano i personaggi più deboli e più giovani, il desiderio e la fretta della trasgressione. Per quest’opera Pavese ricevette il Premio Strega nel 1950. La grandezza di Cesare Pavese viene confermata ancora una volta da questo splendido libro, intenso e affascinante. Tutto il male di vivere, i timori, le incomprensioni e le angosce emergono con grande maestria da queste pagine che risultano avvincenti dall'inizio alla fine. Ogni parola ha un potere espansivo enorme, e la storia si gonfia dentro per la sua prorompente realtà; la vergogna, il pudore violato, esperienza inevitabile di ciascun essere; e il tratteggio dei caratteri è poesia.
Tra realismo e simbolismo lirico si colloca l’opera di Cesare Pavese, per il quale la realtà delle natìe langhe e della Torino della vita adulta diventa teatro delle proiezioni interiori, del profondo disagio esistenziale, dei miti immaginativi, della ricerca di autenticità, delle ossessioni psichiche. E’ l’epoca della noluntas in cuil’artista si lascia vivere, è pieno di contraddizioni e di conflitti. Sua unica ricchezza è una sensibilità che non serve a nulla e agisce soltanto in senso negativo, corrodendo ogni certezza sul destino del mondo, della storia, dell’individuo. C’è uno scompenso fondamentale tra il sentire, il capire e l’agire, per cui il primo elemento determina una specie di paralisi degli altri due. L’artista decadente, smarrita assieme ai valori tradizionali ogni volontà di agire, si trova nell'incapacità di affrontare l’esistenza, gravemente handicappato nei rapporti umani, sempre a disagio in ogni situazione esistenziale, con grosse tare nevrotiche originate proprio da questa situazione di inadeguatezza nei confronti della vita. Per la letteratura del Novecento, il grado di autenticità poetica è determinato dalla misura di aderenza alla sconsolata visione dell’uomo, colto nel suo destino di angoscia. Pavese racconta con disinvoltura dell'estate di Ginia. E racconta di Amelia e dei pittori e dei corpi e dei ritratti, dei colori e del freddo pungente di una cittadina in collina dove si consuma la loro splendente età. Con disinvoltura e allo stesso tempo con garbo, forse troppo. Costeggia la ragazzina e la donna Ginia, ne traccia i contorni, come nei bozzetti di Rodriguez. Lascia che sia quasi indefinita, come se Ginia fosse Ginia e chiunque insieme, come fosse lei e tutte le sedicenni di ogni epoca e luogo insieme. Ginia scopre il sottile confine fra l'essere giovani e fresche e l'essere ormai invecchiate, paradossalmente, una volta che del corpo si sono scoperti tutti i segreti e ormai nulla sembra in grado di ridarci quei giorni spensierati.
"La bella estate" è un racconto intenso e ricco di spunti per la riflessione: è una finestra su un periodo storico ormai trascorso e racconta le emozioni, i desideri, le aspirazioni e le esperienze di giovani desiderosi di vivere pienamente la vita. Assolutamente da leggere !
"Sarebbe facile, se fosse vero, capire la gente" - Cesare Pavese.
Debutta davanti alla stampa italiana uno dei marchi più glamour della moda francese. Lancel, marchio di lusso del gruppo internazionale Richemont, ha presentato le sue nuove collezioni all'interno della Boutique Banner di via Sant'Andrea a Milano. Borse esclusive per la primavera/estate e le novità del prossimo autunno/inverno hanno riempito gli spazi dello store nel cuore del quadrilatero della moda. La maison è uno dei principali gruppi internazionali dell’industria del lusso, grazie alla sua ampia proposta di accessori di pelletteria, come valigie, borse e scarpe. Dietro agli onori di oggi, Lancel cela una storia di famiglia secolare, che ha origine nel 1876, quando Alphonse e Angéle Lancel aprirono una boutique per fumatori a Parigi, al 17 di Boulevard Poissonnière, in breve tempo divenuta un indirizzo importante per articoli da regalo e il guardaroba per Lei. Negli anni ’20 nasce la linea di pelletteria e negli anni ’30 la profumeria e la cosmetica, che rendono Lancel un simbolo di emancipazione femminile ed eleganza, grazie anche a testimonial come Josephine Baker ed Edith Piaf. Dopo la Seconda Guerra Mondiale Lancel si specializza in borse, valigie e piccola pelletteria. Dal primo modello del 1956, la valigia Kangaron in nylon, leggera e dotata di tasche esterne. A oggi il gruppo ha maturato anni di successi e grandi aperture in tutto il mondo, a partire dal proprio flagship store sugli Champs Elysées. Un successo giunto anche dal sostegno delle icone femminili scelte come nuove testimonial, dalla giovane nuotatrice Laure Manaudou all’attrice cult del cinema francese Alice Taglioni. Passando per un’altra star del grande schermo d’Oltralpe, Isabelle Adjani, per la quale è stata pensata l’ultima, omonima linea, in accordo con le sue direttive e quelle del team Lancel. Clutch e secchielli in pelli pregiate, confortevoli ma glamour, per ora disponibili nel mercato italiano solo in alcuni esclusivi store multi marca.
Fiorentino di nascita, ma cittadino del mondo per lavoro, Leonello Borghi, che in passato si è occupato degli accessori di Ralph Lauren e Giorgio Armani, ha portato un nuovo impulso artistico da Lancel. Da due anni direttore creativo, Borghi è stato chiamato dal presidente Marc Lelandais con l’obiettivo di riposizionare il brand di pelletteria verso l’alto facendolo tornare alle origini. Novità della prossima stagione sarà invece Daligramme. È una linea che trae ispirazione dalla borsa firmata Lancel che Salvador Dalì regalò a Gala Éluard, sua moglie e musa. L’artista, negli anni ’70, fece serigrafare l’alfabeto segreto d’amore, il “daligramma”, con cui comunicava con la sua amata. Grazie anche al sostegno della Fondazione Gala – Salvador Dalì, la collezione, che unisce arte, amore e moda, si compone di 25 modelli di borse e accessori che hanno l’obiettivo di offrire un pezzo d’amore per ogni momento della giornata. Realizzata in jacquard o in cuoio vegetale e arricchita da preziosi dettagli, come la tracolla che riprende la catena di una bicicletta (simbolo di due energie che vanno nella stessa direzione), la collezione avrà una fascia di prezzo tra i 400 euro e 1.300 euro per le edizioni limitate”.
"Lo stile è l'abito dei pensieri, e un pensiero ben vestito come un uomo ben vestito, si presenta molto meglio" - Lord Philip Dormer Stanhope Chesterfield.
Il gulash è sicuramente uno dei piatti più conosciuti e rappresentativi della gastronomia ungherese, che vanta molte imitazioni sia in Europa che oltreoceano. La sua fortuna è sicuramente dovuta al fatto che il gulash è un piatto, si abbastanza laborioso da preparare, ma anche molto saporito e particolare grazie all'accostamento della carne di vitello con la cipolla, il pomodoro e soprattutto la paprika, regina della cucina ungherese in generale e senza la quale il gulash non sarebbe gulash. L'origine di questa ricetta è molto povera ed è da ricercarsi tra i mandriani ungheresi che, quando trasportavano i pregiati manzi grigi dalla pianura della Puszta ai mercati di Moravia, Vienna, Norimberga e Venezia, usavano preparare questa sorta di spezzatino di carne di vitello dentro un grande paiolo messo sopra un fuoco di legna all'aperto. Il nome stesso della ricetta sembra confermare questa versione visto che il termine Gulyás, ovvero gulash in ungherese, deriva proprio dalle parole gulyás, che significa mandriano,e da gulya che significa mandria.
Naturalmente per molti secoli il gulash fu solo il pasto dei mandriani e della povera gente che aveva ben poco a disposizione per nutrirsi. Col passare del tempo, verso la fine del XVIII secolo che la gulyásleves, la minestra dei mandriani, dalla prateria arrivò ad essere conosciuta dalle famiglie borghesi ed a riscuotere il grande successo che ha portato il gulash a diventare il piatto tradizionale ungherese per eccellenza.
Ingredienti:
Brodo di dado 250 ml
Carne bovina / scamone di manzo 1 kg
Cipolle 2
Olio extravergine d'oliva 1/2 bicchiere
Paprika 1 cucchiaio
Patate 8
Pomodori pelati 500 g
Preparazione:
Per prima cosa lessate le patate che avrete precedentemente pelato e tagliato in quattro parti, fino a metà cottura e tenetele poi da parte nella loro acqua di cottura. Fate scaldare in una pentola abbastanza capiente l'olio e, quando sarà ben caldo aggiungete la cipolla tritata abbastanza grossolanamente. Fate imbiondire la cipolla mescolando sempre, e aggiungete la carne di vitello tagliata a pezzettini facendola rosolare e girandola sempre in modo che la cipolla non si bruci. A questo punto aggiungete la paprika e, quando la carne sarà ben rosolata, i pelati, il brodo ed il sale, quindi abbassate la fiamma e fate cuocere il tutto, coprendo con un coperchio, per almeno un ora e mezzo, ovvero fin quando la carne non sarà diventata morbida. Mescolate il vostro gulash di tanto in tanto e quindici minuti prima dei fine cottura aggiungete le patate ed un pò del loro brodo di cottura in modo che il sugo rimanga denso e cremoso. Servite il vostro gulash ben caldo magari accompagnandolo con qualche verdura cotta.
Consiglio:
Per la preparazione di questo piatto vi consiglio di usare, se non trovate lo scamone, altri tagli di vitello come la polpa, la spalla, il coscetto o il collo. Inoltre, per mantenere il vostro gulash in caldo anche a tavola, potete utilizzare dei caratteristici e curiosi piatti di terracotta, o acciaio, con sotto il fornelletto che si possono trovare nei negozi di casalinghi specializzati.
Curiosità:
Il gulash, come abbiamo già detto, è un piatto molto apprezzato e conosciuto in tutto il mondo ed è per questo che è anche molto imitato e di conseguenza ha assunto nomi diversi in alcune nazioni: in croato gulaš, in tedesco gulasch, in polacco gulasz, in rumeno gulaş, in ceco guláš.
"Quando si scrive delle donne, bisogna intingere la penna nell'arcobaleno" - Denis Diderot.
Sono rari i casi di donne divenute famose nel campo artistico, soprattutto nel periodo classico e moderno. Le donne sono sempre state relegate a svolgere mansioni di second’ordine da condizionamenti di natura culturale e sociale. Spesso sono state costrette a mortificare la propria personalità artistica scrivendo sotto falso nome; facendo firmare i quadri da altri; comunque sempre relegate nell'anonimato. Artemisia Gentileschi fu sicuramente una delle poche protagoniste femminili della storia dell’arte europea. Figlia di Orazio Gentileschi (1563-1639), conosciuto artista pisano dagli iniziali stilemi tardo-manieristi, trapiantato a Roma dal 1585, ove sarà poi chiamato per collaborare come aiuto nei lavori della Biblioteca Sistina in Vaticano, quindi amico e seguace di Caravaggio (nonostante fosse di un decennio più anziano) al tempo della sua mirabolante esperienza nella città pontificia (conclusasi nel 1606 con la fuga errabonda dopo la lite omicida col Tomassoni), la figura artemisiana appare particolarmente proclive alla trasposizione di vicende private nell'effettualità della propria vita artistica, ma anche all'operato abuso in sede storiografica, che ne ha spesso cancellato le reali qualità propositive. Il quadro delle sue vicissitudini giovanili testimonia di un retroterra psicologico deciso ma non facilmente padroneggiabile, proteso da un lato a recepire positivamente gli stimoli offerti da discussioni e frequentazioni canalizzate dall'attività paterna, che favoriranno una precocità di approccio e un versatile affinamento della tecnica pittorica, ma aperto dall'altro su scenari affettivi poco rassicuranti, inerenti
alla questione dei difficili rapporti con Orazio, chiuso col suo irascibile temperamento nell'incapacità d'espansione comunicativa e oltretutto distrattamente assente dalle responsabilità gestionali della conduzione familiare, difatti affidate ad Artemisia per la custodia dei fratelli, e alle cure educative di un vicinato equivocamente immerso nel clima postribolare di quella Roma popolana, in cui nepotismi e intrighi politici di basso profilo attornianti la corte pontificia costituivano sfondo agli intrecci coi traffici delle committenze che un ceto artistico nomadico e bohémien, animato più da un'indirimibile ansia di promozione economica che di prestigio intellettuale, si contendeva secondo una spietata lotta concorrenziale. Nella prosaicità "epicurea" di questa rarefatta atmosfera avventuristica, matura la dolorosa e prolungata esperienza di stupro, subita dall'artista per opera del collega e amico paterno Agostino Tassi (1580-1644), già suo insegnante di prospettiva e personaggio fin troppo scopertamente compromesso con una visione fallocentrica ed erotomane, adusa alla funzionalità oggettivata e sessualmente strumentale del corpo femminile (risultando già precedentemente coinvolto in numerosi processi per stupro, atti di libidine violenta e incestuosa, ecc.). L'iter probatorio culminò nella drammatica tortura dei "sibilli" (cordicelle strette attorno alle dita), inflitta dagli inquisitori ad Artemisia per acclarare, secondo la significativa mentalità giurisprudenziale coeva, l'accertamento della verità. Alla fine del processo Tassi scontò otto mesi nella prigione di Corte Savella ma alla fine il caso fu archiviato.
L'influsso della corrente naturalistica in voga all'epoca nella città partenopea si fa prepotentemente presente nelle opere del periodo (Giuditta e la fantesca, Betsabea al bagno, Nascita del Battista e Storie di San Gennaro). Tra il 1639 e il 1641 si reca in Inghilterra per assistere il padre anziano e malato, fino alla morte di questi, lavorando a più riprese per la corte e l'aristocrazia.
Giuditta che decapita Oloferne. Probabilmente ispirato dal suo stato d’animo durante il processo esso rappresenta una delle scene più cruente della Bibbia. La decapitazione del feroce generale assiro Oloferne ad opera di Giuditta e di una sua ancella. Ella si intrufola nel campo nemico per compiere il glorioso gesto. Strano particolare del quadro la presenza della seconda donna come compartecipe dell’atto. Nella scena biblica Giuditta compie il gesto da sola mentre l’ancella aspetta fuori, vedendosi consegnata la testa all’uscita. Quasi a voler ancor di più riscattare il ruolo eroico ed essenziale della figura della donna. Il quadro - di soggetto perfettamente analogo a quello della tela, un po' più piccola e dai diversi colori, eseguita in precedenza e conservata oggi nel Museo Capodimonte di Napoli.
Il resto della sua vita è segnato da continui spostamenti, dovuti alla fama crescente: Napoli, Londra: tutte le corti europee ambiscono ad incontrare la bellissima artista che ormai non viene considerata a livello inferiore di un uomo.
La sua vita termina nel 1652 a Napoli, dove, nonstante il successo riscosso in gioventù, muore sola e dimenticata da tutti.
« O si è un'opera d'arte o la si indossa. » - Oscar Wilde.
Il termine moda deriva dal latino modus, che significa maniera, norma, regola, tempo, melodia, ritmo. Nei secoli passati, l'abbigliamento alla moda era appannaggio delle sole classi abbienti soprattutto per via del costo dei tessuti e dei coloranti usati, che venivano estratti dal mondo minerale, animale e vegetale.Prima dell'Ottocento, l'abito era considerato talmente prezioso che veniva elencato tra i beni testamentari. I ceti poco abbienti erano soliti indossare solo abiti tagliati rozzamente e, soprattutto, colorati con tinture poco costose come il grigio. A questi aggiungeva scarpe in panno o legno. Non potendo permettersi il lusso di acquistare abiti nuovi confezionati su misura, tali classi ripiegavano spesso sull'abbigliamento usato. Il termine moda compare per la prima volta, nel suo significato attuale, nel trattato "La carrozza da nolo", ovvero del vestire alla moda, dell'abate Agostino Lampugnani, pubblicato nel 1645. La moda - detta anche, storicamente costume - nasce solo in parte dalla necessità umana correlata alla sopravvivenza di coprirsi con tessuti, pelli o materiali lavorati per essere indossati. In realtà l'abito assunse anche precise funzioni sociali, atte a distinguere le varie classi e le mansioni sacerdotali, amministrative e militari.
La moda ha le origini antichissime. Nasce già all'epoca dei Greci, dei Romani e degli Etruschi. In quei tempi, l'abbigliamento era semplice e simile quasi per tutti: un chitone, che i romani chiamavano tunica, legato sulle spalle da spille dette fibule e in vita da una cintura. Le donne indossavano anche il peplo, cioè una mantella ripiegata dall'alto fino in vita. Gli schiavi indossavano vesti corte per distinguerli dai ricchi, con vesti lunghe e ben curate, pulite, e bardate di porpora per i senatori, bianche per chi aveva incarichi politici o ornate di ricami preziosi per i ricchi, gli aristocratici e le donne. Solitamente in lana o lino, erano abiti portatori di una sobria e raffinata eleganza. Con l'evoluzione dei tempi, sono state introdotte anche le maniche delle tuniche: questo soprattutto per l'uso che ne veniva fatto negli ambienti religiosi, data la grande importanza del Cristianesimo, e per il comune pensiero che voleva la donna coperta per evitare pensieri impuri. Solo nel Medio Evo è stata introdotta la biancheria intima: grandi mutande fino al ginocchio, camicie al posto delle attuali canottiere intime, calze pesanti. Insomma, si era sempre ben coperti! Data poi la mancanza dei vetri alle finestre, era di uso - per chi poteva permettersela - una pelliccia, introdotta proprio in questi anni. Anche alcuni artisti, come Giotto e Antonio del Pollaiolo crearono modelli di abiti e tessuti. La famosa sarta della regina di Francia Maria Antonietta, Rose Bertin, pur creando sontuose toilettes per la regina, non poteva ancora definirsi stilista. Per fare un esempio una sarta non poteva comperare direttamente il tessuto, che era venduto esclusivamente dal fabbricante. Dopo la rivoluzione francese la Convenzione abolì le corporazioni e le regole rigide e minuziose che vi erano applicate, stabilendo che ognuno poteva vestirsi come gli pareva. Il decreto nasceva per l'odio contro le leggi suntuarie che erano ormai diventate uno spartiacque tra l'abito dell'aristocrazia e quello della borghesia, a cui erano proibiti molti oggetti di lusso. Dopo di allora il sarto fu completamente libero di esprimere la sua creatività.
I manuali di taglio e sartoria si svilupparono con una certa lentezza, soprattutto quando, dal XIV secolo in poi, si cominciarono a creare abiti aderenti al corpo. Il Garzoni, nel suo libro su tutte le professioni del mondo edito a Venezia nel 1585, dice esplicitamente che un buon sarto deve saper fare di tutto, per soddisfare ogni necessità della sua clientela. Quello del sarto non era quindi un mestiere indipendente, bensì era un servitore delle grandi signorie: viveva e lavorava presso la corte di un signore, che poteva anche scegliere di "prestarlo" a parenti o amici. La retribuzione per l'operato si aggirava intorno al 10% della spesa del tessuto. Era una professione preclusa alle donne, che come sarte avevano compiti minori o si applicavano maggiormente al telaio e al ricamo. Non esistevano le taglie, quindi ogni vestito era un pezzo unico, realizzato su misura del cliente. Le unità di misura erano variabili; a Venezia erano in uso i brazzi: da seda, che corrispondeva a 63,8 cm, e da lana, 67,3 cm. Nell'Ottocento la tecnica sartoriale andò affinandosi rendendo più agevole indossare il vestito. Dal XIX secolo si iniziano a distinguere i primi stilisti, che creavano nuovi tagli, nuove stoffe e nuovi canoni nel modo di abbigliarsi, con l'adozione di nuovi abiti femminili quali il tailleur inventato alla fine del secolo dall'inglese Redfern. Lo stilista capovolse il rapporto tra il sarto e la cliente, che ora dipendeva dalle sue idee ed era ben felice di indossare un abito firmato da lui e realizzato nel suo atelier. Gli stilisti lavoravano solo per l'élite poiché i costi per l'ideazione e per la produzione erano molto alti. Questo nuovo impulso di riforma fu principalmente portato avanti da Charles Fréderic Worth, inglese trapiantato in Francia, considerato l'inventore della Haute Couture e sarto personale dell'imperatrice Eugenia, moglie di Napoleone III, e della sua corte, dal 1864.
Ogni nazione a cavallo tra la fine del ‘700 e la fine dell’800 ebbe momenti di eccellenza che fecero di quella nazione ora la capitale della moda maschile, ora di quella femminile. Intere frotte di benestanti si spostavano da Londra a Parigi e in altre capitali per farsi vestire alla moda dai grandi sarti dell’epoca. Così la moda divenne elemento di riconoscibilità, di stile, di identificazione di ceto sociale. Concetti che nel ‘900, con l’espandersi dei mezzi di comunicazione assunsero nuova valenza sociale e politica. Senza la moda non c’è cinema, non c’è musica, non c’è televisione, non c’è neppure letteratura moderna. La storia della moda, si intreccia senza soluzione di continuità con la vita sociale, con le scoperte scientifiche, con le guerre e con i personaggi famosi, con la pubblicità, con la storia dell’arte e con i desideri più profondi dell’uomo.
Parole come barocco, rococò, neoclassico, art noveau, liberty, twist, pop art, optical, hippies, rock, punk, manager, yuppies, dark, non evocano solo movimenti artistici, espressioni musicali o categorie professionali, per ognuna di queste parole e per molte altre parole che hanno accompagnato gli ultimi tre secoli di storia, tutti questi termini evocano un abbigliamento, uno stile, un modo di sentirsi e di proporsi verso l’eterno. La moda è diventata ogni espressione della vita dell’uomo: abiti, oggetti, accessori, cibo, vacanze… tutto può essere una moda, così la moda, quella vera, quella dei grandi sarti e egli stilisti si è defilata elegantemente da questa parola e forse è per questo che in questi ultimi decenni i professionisti della moda hanno preferito ridefinire molti termini: alta moda, moda pronta (prêt-à-porter), sistema moda, moda design, semi programmato, flash, ecc… termini che servono ai professionisti della moda, a tutto il mondo dei servizi ad essi collegati e al mondo della comunicazione per comprendere di cosa si sta parlando.
"L'alta moda è finita. Non è un'arte che si appende come un quadro. Ma è qualcosa che ha senso se accompagna l'arte di vivere. Oggi, tempo di jeans e di nike, l'arte di vivere non esiste più" - Pierre Bergè.
Un nome che è diventato un logo, l'inconfondibile suono delle tre parole che compongono il suo nome non possono che significare, in tutte le lingue, una sola cosa: moda. O meglio, Alta moda. Sì perché Yves Saint Laurent, oltre ad essere uno dei padri della moda francese è anche l'uomo che ha fatto dell'Haute Couture il suo marchio di fabbrica, uno stile di vita che dalle sue boutique si è sparso in tutto il mondo contagiando migliaia di persone. Nato in Algeria il giorno 1 agosto 1936 come tutti i talenti mostra una passione assai precoce per l'arte che lo porterà alla gloria. L'attrazione per i tessuti e per le passerelle è in lui fortissima e così, al posto di bighellonare o passare il tempo a tirare calci ad un pallone, si impratichisce con stoffe, tessuti e aghi. Dove? Nientemeno che alla Maison Dior dove, dopo il diploma all'Ecole de la Chambre Syndicale de la Couture di Parigi, sostituisce il maestro Christian Dior, morto d'infarto in un albergo di Montecatini. Una grande responsabilità, considerando che all'epoca Dior era già "Dior"; ma Yves non si fa intimorire più di tanto.
Si getta a capofitto nel lavoro e nasce così la sua prima collezione, denominata "Trapezio". Ma neanche nei suoi sogni più rosei il giovane stilista poteva sperare che fosse un tale successo, tanto che sulle copertine dei giornali specializzati si parla di lui come enfant prodige. Purtroppo qualcosa di inaspettato arriva ad interrompere l'idillio, a bloccare temporaneamente quella strada in discesa che sembrava ormai senza più ostacoli. La sua patria di origine infatti lo chiama per svolgere il servizio militare: un'interruzione molto grave dei suoi impegni che infatti significherà la fine del suo rapporto con la casa Dior (la maison lo sostituirà con Marc Bohan). Fortunatamente Yves non si scoraggia, deciso a perseguire la sua vocazione. Torna a Parigi nel 1962 e in un batter d'occhio presenta la prima collezione con il suo nome, caratterizzata dalla scelta di linee stilizzate e molto semplici, prive di fronzoli. Tutti i presenti rimangono colpiti dalla qualità della fattura degli abiti, una particolarità a cui lo stilista francese dedicherà sempre particolare attenzione. Nel 1962 Yves Saint Laurent lasciò Dior e fondò l'omonima etichetta (Yves Saint Laurent, spesso abbreviata YSL) insieme al socio e compagno Pierre Bergé.
Negli anni sessanta e settanta la firma godette del massimo prestigio grazie a ingegnose innovazioni in fatto di moda. Nel 1980 fu il primo creatore di moda vivente a godere di una grande retrospettiva del suo lavoro al Metropolitan Museum di New York. Nel 1989 il gruppo YSL si quotò in borsa, per poi essere venduto nel 1993 alla casa farmaceutica Sanofi per circa 600 milioni di dollari. Nel 1999 la casa di moda fiorentina Gucci acquistò l'etichetta e mentre Tom Ford si occupava della collezione prêt-à-porter (più accessibile al grande pubblico), Yves Saint-Laurent disegnava la linea di alta moda. La casa di moda fu ufficialmente chiusa nel 2002. Per quanto la casa non esista più, il marchio sopravvive ancora sotto l'egida di Gucci. Oggi, dopo il ritiro di Tom Ford, è lo stilista Stefano Pilati a firmare la linea di prêt-à-porter. Si intuiva già lo spirito eterodosso di questo nuovo disegnatore, il quale, nell'arco della sua carriera ha mantenuto la promessa di allora, diventando un innovatore costante, un modernizzatore dell'immagine femminile. Ha fatto tutto o quasi tutto prima degli altri. Sua, decenni prima di Giorgio Armani, è stata l'intuizione di trasferire alcuni capi del guardaroba maschile in quello femminile: il blazer, la sahariana, lo smoking, il trench, il giubbotto di pelle, il tailleur pantaloni, sua la dirompente carica di vitalità abbinata a una divorante passione per l'arte che gli ha fatto fare omaggi estrosi ai maestri della pittura del Novecento, da Picasso a Andy Warhol, da Matisse, a Braque, da Mondrian a David Hockney, quando il binomio arte-moda non era ancora una trovata scontata, un luogo comune da passerella "colta". Sue, ancora per primo, sono state le commistioni etniche e folcloristiche con le quali ha arricchito gran parte delle proprie collezioni di suggestioni che gli venivano di volta in volta dall'Africa, dalla Spagna, dall'India, dal Marocco, dalla Russia.
L'amore per il teatro e per la letteratura, Marcel Proust in testa, come autore feticcio, come nume tutelare, sono state anch'esse trasposte nella sua moda, infuse nei modelli che ha saputo creare. Ma al di là di una creatività multiforme, Saint Laurent ha avuto anche intuizioni commerciali geniali, come avere capito, ancora una volta in anticipo sui suoi colleghi, che le idee così moderne della sua alta moda potevano, sapientemente corrette, trasformarsi in prodotto industriale. Dopo una lunga malattia, un tumore al cervello, lo stilista si spegne a Parigi, nella sua casa, la notte del 1º giugno 2008, all'età di 72 anni. Lo stilista è stato cremato. Le sue ceneri sono conservate nel Giardino Majorelle di Marrakech in Marocco, villa appartenuta al celebre artista francese e in seguito acquistata e ristrutturata da Yves.
I primi freddi si fanno sentire e cresce la voglia di stringere fra le mani una tazza colorata e di sorseggiare qualche delizia bollente, magari nei lunghi pomeriggi di pioggia, in un allegro bruch domenicale fra amici o dopo cena. Tisane profumate che sprigionano odori di spezie, latte aromatizzato, dal gusto avvolgente come una copertina soffice, vino caldo e ricco e naturalmente le prime immancabili note di cioccolato. Un po' comfort food - cibi per coccolare l'umore - e un po' bevande del benessere, fatte con prodotti naturali e ricercati. Se anche voi state cercando un angolo caldo per scaldare palato e cuore, questo é il posto giusto...
Nel campo del tè, come in tanti altri, la perfezione è un'idea soggettiva. Più autori leggerete al riguardo, più disparità troverete nei consigli. Ecco comunque alcune regole, generalmente condivise, per preparare un buon tè.
La teiera.
La terracotta, l'argento, il peltro e la ghisa sono particolarmente adatti a i tè forti (Ceylon, Assam, tè africani). la porcellana invece è l'ideale per i tè più leggeri, come quelli verdi e l'Oolong. In un mondo ideale bisognerebbe avere diverse teiere: una per i tè verdi, una per quelli aromatizzati, una per i neri non affumicati e un'altra per gli affumicati:
La teiera va riscaldata prima di versarvi le foglie e l'acqua bollente. E perché le foglie così riscaldate hanno modo di sprigionare tutta la loro fragranza, e perché la temperatura si tiene più a lungo e l'infusione riesce meglio. Molti scaldano la teiera con un po' di acqua bollente che poi gettano via, ma autori più ortodossi assicurano che il tè va versato in una teiera perfettamente asciutta e consigliano di scaldarla tenendola qualche minuto in un recipiente più grande pieno di acqua bollente. Le foglie andrebbero poste nella teiera prima di versarvi l'acqua e lasciate libere. Ma se proprio preferite usare un filtro, badate di lasciare alle foglie spazio sufficiente per espandersi. Come la caffettiera, la teiera non va mai lavata con detersivi, né asciugata all'interno: solo così potrà formarsi quella patina bruna che permette la preparazione di una buona tazza di tè.
La tazza.
Alcuni scaldano anche la tazza, ma non sembra un comandamento. Gli Inglesi assicurano che il recipiente migliore per bere il tè è la loro mug perché in essa il tè resta caldo a lungo. I cinesi preferiscono piccole tazze in porcellana. Anche sul colore qualcuno ha da ridire e ogni epoca e ogni specifica preparazione aveva il suo preferito: oggi in Oriente la tazza ideale è in porcellana bianca.
Il tè.
Ci sono tè da mattina, da pomeriggio, da sera o per tutta la giornata. L'indicazione va verificata per ogni singolo tè. In linea di massima i tè verdi sono da evitare da sera, ma perfetti dopopranzo e nel pomeriggio. Gli Oolong non si addicono alla prima colazione. Calcolate un paio di cucchiaini a persona per i tè verdi e bianchi e due per quelli neri e gli Oolong. Riguardo al "cucchiaino per la teiera" i pareri sono discordi.
L'acqua.
Bisogna fare attenzione a che l'acqua dell'infusione non abbia sapori particolari alla partenza. Si raccontano leggende a proposito di imperatori che si facevano portare l'acqua da chissà dove per preparare la perfetta infusione. La temperatura dev'essere intorno ai 90-95 gradi per i tè neri e gli Oolong, varia da 70 a 85 per i tè verdi. In effetti ogni tè ha la sua temperatura ideale, bisogna informarsene all'acquisto. Soprattutto ai proposito dei tè verdi giapponesi che passano ai 50-60 gradi per un Gyokuro ai 95-100 per un Bancha.
Considerazioni....
Il tè di buona qualità dovrebbe essere bevuto senza aggiungervi né latte, né limone, né zucchero e l'infuso non dovrebbe mai essere versato completamente nelle tazze, che andrebbero riempite poco alla volta per rendere omogeneo il grado di diluizione dell'infuso.
« Non incontrerai mai due volti assolutamente identici. Non importa la bellezza o la bruttezza: queste sono cose relative. Ciascun volto è simbolo della vita. E tutta la vita merita rispetto. È trattando gli altri con dignità che si guadagna il rispetto per sé stessi. »
Tahar Ben Jelloun è uno degli autori marocchini più conosciuti in Europa. Nasce a Fèz, nel 1944, dove trascorre la sua giovinezza. Ben presto, però, si trasferisce prima a Tangeri, dove frequenta il liceo francese, e poi a Rabat. Qui si iscrive all'università "Mohammed V" dove si laurea in filosofia. Intorno ai primi anni '60 Ben Jelloun inizia la sua carriera di scrittore ed è in questo periodo che partecipa attivamente alla stesura della rivista "Souffles" che diventerà uno dei movimenti letterari più importanti del Nord-Africa. Fa la conoscenza di uno dei personaggi più importanti del momento, Abdellatif Laâbi, giornalista e fondatore di "Souffles", da cui trae innumerevoli insegnamenti e con cui elabora nuove teorie e programmi. Contemporaneamente porta a termine la sua prima collezione di poesie intitolata "Hommes sous linceul de silence" che viene pubblicata nel 1971.Dopo aver conseguito la laurea in filosofia si trasferisce in Francia dove frequenta l'università di Parigi. Qui ottiene il dottorato realizzando uno studio sulla confusione mentale degli immigrati nord-africani in Francia, studio da cui, intorno alla seconda metà degli anni '70, scaturiranno due testi importanti quali "La Plus haute des solitudes" e "La Reclusion solitaire". In queste due opere si sofferma ad analizzare la condizione degli emigrati magrebini in Francia che, fuggiti dal proprio paese con l'intento di cambiare vita, di migliorare la propria posizione sociale, sono diventati i nuovi schiavi di antichi padroni.
Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, fra cui il Premio Goncourt e il Global Tolerance Award conferitogli dal segretario delle Nazioni Unite.
Vi presentiamo uno dei libri di maggior successo scritto dall'autore marocchino, " Creatura di sabbia ". Il romanzo è la storia di un'identità inventata, di una metamorfosi coatta, dei turbamenti, delle ossessioni, delle violenze e dei paradossi che ne derivano. Ed è anche una finestra aperta sul mondo arabo, sulle sue tradizioni e sui suoi tabú, che ancora oggi stentiamo a capire. Leggere “Creatura di sabbia” (opera tradotta dal francese) è un’esperienza particolare perché la diversità del mondo e della cultura (araba-islamica) che è all’origine della storia, la straordinaria elaborazione narrativa che Jelloun ha sviluppato non può che sedurre ed intrigare un lettore “occidentale”. In questo romanzo porta in primo piano l’importanza del sesso maschile nella società orientale. Il romanzo si apre con un uomo che legge ad un gruppetto, che piano piano diviene una folla, un diario di un uomo morto quaranta giorni prima. La particolarità di quest’uomo sta nel fatto di essere nato di sesso femminile, infatti la sua famiglia era gia composta da sette figlie femmine e un’altra femmina nella famiglia non solo avrebbe significato l’esistenza di una maledizione, ma anche la necessità di lasciare tutti i beni della famiglia ai fratelli del padre, in quanto i beni materiali non possono appartenere alle figlie femmine; così il padre decide che indipendentemente dal sesso del nascituro, questo neonato avrà il nome di Ahmed. Il neonato è di sesso femminile, ma nulla cambia i progetti, verrà cresciuto come un uomo. Inizia così il percorso di un’identità violata e fittizia, di un individuo che esiste solo nelle parole, e mentre quest’individuo cresce, si forma nel corpo di una donna, Ahmed inizia a capire cosa effettivamente sia la sua vita. Tuttavia Ahmed rendendosi conto di cosa comporterebbe la vita di donna nella società in cui vive decide di assecondare questa farsa, tentando soprattutto di convincere se stessa a credere questa falsità; asseconda il padre in ogni modo, va oltre sposando una cugina malata per confermare alla società, e a se stesso di essere uomo. Ma i tormenti iniziano a insidiarsi nella mente di Ahmed, e dopo la morte del padre inizia una corrispondenza anonima nella quale sfogherà i suoi tormenti, i suoi dubbi e che la porterà alla presa di coscienza, alla consapevolezza di dover capire chi e che cosa è. Così si snoda una storia che lascia perplessi e senza un’idea certa man mano che si sfogliano le pagine. Questo testo indirizza lo sguardo del lettore occidentale in una direzione verso cui spesso è restio a guardare, verso una società dove si può arrivare a pensare che forse è meglio fingersi uomini. Il linguaggio adottato dall’autore non è molto complesso ma ci sono termini stranieri della lingua araba. Sia il discorso diretto sia quello indiretto vengono utilizzati ma prevalgono le riflessioni del protagonista, infatti ci sono monologhi interiori. Il testo fa riflettere molto sulla situazione della donna. Il testo può risultare attuale perché tratta una tematica presente anche oggi in quanto si è parlato molto dei diritti della donna.
Nella vita bisognerebbe Avere due facce... Sarebbe bene averne Almeno una di ricambio. Oppure, e questo sarebbe meglio, non avere nessuna faccia, semplicemente. Essere solo delle voci... Un po’ come i ciechi...
Anime prigioniere le donne, quasi spiriti passivi della storia, che solo ultimamente hanno cercato di prendere in mano la loro libertà di espressione. Alle donne infatti, se ben si analizza il loro percorso nella storia, non è mai stato permesso di esprimersi liberamente nel campo dell’arte e della cultura. Il loro ruolo rimane sempre isolato e limitato a quello di muse ispiratrici. Considerate, fin dall'antichità, esseri inferiori, hanno vissuto per secoli oppresse dalle convenzioni sociali da una pretesa inferiorità; nessuna poteva dar voce alla propria creatività nella produzione di opere che non fossero l’ornato o il cucito, stretto confine da cui pareva impossibile smarcarsi. Sfogliando “l’Arte al femminile” si scopre che in realtà le donne che hanno fatto la storia dell’arte sono molto più numerose di quel che si crede, però la loro fama è stata offuscata per questo, quasi tutti ne ignoriamo l’esistenza. Fino al XIII secolo, chiunque porta la gonna non può seguire lezioni di nudo in accademia. Quelle poche donne che si dedicano alla pittura devono accontentarsi di disegnare nature morte e miniature. Elisabetta Sirani, per poter continuare a dipingere viene addirittura costretta ad eseguire pubblicamente un dipinto per dimostrare di essere veramente dotata. La libertà comincia con l’inizio dell’800, quando fioriscono dappertutto atelier per sole donne. Questo non significa riconoscimenti per i capolavori eseguiti dai geni femminili, ma solo una nuova moda per le signore di alto rango che con la pittura trovano un nuovo passatempo. Bisognerà aspettare l’inizio del XX secolo per vedere aumentare la partecipazione delle donne alla vita culturale, grazie alle associazioni femministe che lotteranno contro la disparità sessuale. Ma la battaglia era solo agli inizi….
Esponente di primo piano del classicismo bolognese e europeo, è una figura complessa e peculiare, che si integra nel suo tempo per trascenderlo sotto molti aspetti. È una donna glorificata come protagonista di una professione tipicamente maschile. È artista di successo internazionale e maestra nella scuola di pittura da lei fondata: una pittrice professionista nella Bologna del Seicento, ammirata da ospiti illustri e di nobile lignaggio che visitano casa Sirani per vedere Elisabetta all'opera definita “l’angelo-vergine” della pittura bolognese da Carlo Cesare Malvasia, suo primo scopritore e biografo. È la figlia obbediente e rispettosa del padre-maestro, il pittore Giovanni Andrea, che tuttavia dall'influenza del padre si affranca prestissimo cominciando sin da giovane a dipingere su commissione, rivelando una straordinaria padronanza tecnica. Elisabetta Sirani (1638-1665) nacque e visse nella Bologna della Controriforma: seconda città dello Stato Pontificio, in cui la vita culturale era ricca e stimolante. Figlia di Giovanni Andrea, pittore e mercante d’arte allievo di Guido Reni, imparò tecniche e modelli nell'officina paterna. Cominciò a dipingere su commissione a soli diciassette anni, sviluppando ben presto una straordinaria tecnica personale che si rivelò definitivamente quando, nel 1658, le venne commissionato il Battesimo per la chiesa bolognese di San Girolamo alla Certosa.
Suo esordio ufficiale e prima committenza pubblica di grande importanza, l’opera svela la fresca vitalità della pittura di Elisabetta, insieme al suo allontanamento dal pacato linguaggio paterno. Nella pittura della Sirani l’esperienza femminile si incarna in uno straordinario virtuosismo tecnico e in una folgorante rapidità, che le permisero di realizzare in soli dieci anni quasi duecento opere, da lei stessa catalogate accanto alle singole committenze nella sua "Nota delle pitture fatte da me - Elisabetta Sirani". Un’attività instancabile e quasi febbrile, principale causa della malattia che portò l’artista a una morte precoce, dovuta a una grave ulcera gastrica, all'età di ventisette anni. Elisabetta fu seppellita con un solenne funerale accanto alla tomba di Guido Reni, nella chiesa bolognese di San Domenico. La sua morte, improvvisa e inspiegabile, fu accompagnata da un epilogo romanzesco. Lucia Tolomelli, domestica della famiglia, venne sospettata e accusata in un processo (1665-1666) di aver avvelenato la pittrice, causandone la morte. Il processo, basato su accuse non convincenti, si concluse con l’allontanamento della Tolomelli dalla città, ma il mito del presunto avvelenamento perdurò a lungo, alimentando l’alone leggendario che nei secoli avrebbe avvolto la figura dell’artista.
Rimase viva, dopo la sua morte, l’eredità che Elisabetta lasciò alle allieve della sua scuola di pittura, tra le quali le sorelle Barbara e Annamaria (autrici di pale d’altare per le chiese del contado bolognese), Ginevra Cantofoli e Lucrezia Scarfaglia, passata dopo la scomparsa della maestra alla scuola di Domenico Maria Canuti. La leggenda La celebrità che Elisabetta Sirani acquistò in vita per le sue indubbie doti artistiche si trasformò in una sorta di leggenda dopo la sua morte. Fu il canonico Carlo Cesare Malvasia, suo primo scopritore, a plasmare e perpetuare il “mito Sirani” modellandolo consapevolmente su quello di Guido Reni. Nella biografia dell’artista pubblicata nella sua Felsina Pittrice (1678) la descrive come “l’angelo-vergine” della pittura bolognese del Seicento, la celebra come “il prodigio dell’arte, la gloria del sesso donnesco, la gemma d’Italia, il sole della Europa” e ne piange la scomparsa prematura. La leggenda creata attorno alla sua figura, rafforzata dalla vicenda della sua precoce morte per supposto avvelenamento, andò alimentandosi nei secoli successivi. Elisabetta Sirani divenne soggetto di numerosi testi letterari, tra i quali il Pennello lacrimato (1665), di Giovanni Luigi Piccinardi e la Poesia muta celebrata dalla pittura loquace (1666) e conobbe in seguito una particolare fortuna nell'Ottocento, secolo sensibile alle eroine romantiche.
La pittrice fu celebrata da numerosi componimenti drammatici, romanzeschi e dipinti, che ripresero ed esaltarono la figura della giovane artista uccisa dall’invidia della sua serva. Nuovi e recenti studi ci hanno restituito un’immagine dell’artista affrancata dalla sua leggenda. Oggi Elisabetta Sirani non è considerata solo l’erede al femminile di Guido Reni, ma l’abile professionista che intraprendendo un percorso artistico importante e significativo si rese protagonista del secolo d’oro della pittura bolognese.
Si usa uno specchio di vetro per guardare il viso; e si usano le opere d’arte per guardare la propria anima - G. Bernard Shaw.
